El pasado 19 de agosto de 2009, artistas de diversas organizaciones sociales que conforman la Red Latinoamericana de Arte para la Transformación Social y expertos de la Organización Panamericana de la Salud, oficina regional de la Organización Mundial de la Salud (OPS/OMS), firmaron la “Declaración de Lima” y un Convenio Marco que compromete un Plan de Acción conjunto, con el fin de formalizar el compromiso de trabajo coordinado entre las organizaciones e instituciones participantes, fundamentalmente a través de una agenda de trabajo común para los próximos cinco años. Sigue leyendo...

Durante la inauguración del Primer Foro Internacional “Arte, Puente para la Salud y el Desarrollo”, la Directora de la Organización Panamericana de la Salud (OPS), Dra. Mirta Roses, reconoció el uso del arte como herramienta para la creación de estrategia de salud pública, para la prevención y promoción de la salud. En el evento, Mirta Roses suscribió un Convenio Marco con el propósito de utilizar el arte en el mejoramiento de la salud, las condiciones de vida y el desarrollo de la población en la Región de las Américas. Sigue leyendo...

Comenzamos el debate haciendo una nueva interpretación sobre el Mito de la Caverna, o mejor dicho, haciendo una pequeña matización sobre la codificación del significado de las sombras. Si las sombras representan el simulacro o la plasmación de tal, la parodia de lo real, hemos de tener en cuenta que a la imagen enfocada ha de añadírsele la interpretación, por lo que las sombras proyectadas no son simples sombras, sino una idea distorsionada con una interpretación (siempre interesada); y con tal estructura llegan a los individuos de la sociedad. Con lo cual, a la sociedad se le prestan ideas ya digeridas y pensadas para que no tengan que esforzarse en codificarlas o criticarlas (pues ya se muestran como ciertas en muchos casos): el simulacro no quiere únicamente entretenerte, también quiere que pienses lo que ellos quieren, es decir, que no pienses. Esta nueva faceta del titiritero, portador de imágenes y de mensajes en un solo “objeto de proyección”, puede tener su naturaleza entre la política, el sector económico, los medios de comunicación, la docencia… Prestando mayor atención a los dos últimos elementos citados, nos encontramos con unos medios de comunicación que son capaces de exaltar cualquier debilidad humana mediante el miedo, el pánico, el estupor. Estos medios cuestionan la autoridad familiar, ¡¡son los auténticos dinamitadores de la familia!!: la hecatombe estructural social está asociada con la modernidad pero viene tramitada para un plan en concreto: el individualismo extremo, el consumo desmesurado, la contaminación del espíritu mediante deseos vacuos, etc. Por otro lado, la docencia se convierte en un arma política, por lo que ésta sirve a unos intereses que pueden entreverse en los temarios. Los docentes dedicados al noble ejercicio de enseñar se convierten así en involuntarios titiriteros que a veces carecen de toda libertad para ejercer su labor. El simulacro se presenta pues como la plasmación de una irrealidad controlada por el poder audiovisual y la política mediante la docencia, entre otros factores siempre relacionados entre sí. Para concluir, hacer referencia al arte como otro elemento dentro del simulacro, el “elemento decorativo” de la “caverna”, pues a tan baja naturaleza la han reducido: a “elemento decorativo”. Más que elemento es un medio o las dos cosas. El arte que vivimos se encuentra en plena decadencia, pues ésta obedece a las tasas de mercado. Las ideas que nos venden en estas obras vienen contaminadas por el sistema gobernante, incluso nos enseñan obras teóricamente rebeldes que no los son tanto. Las Editoriales por lo común vienen asociadas a un poder político o a una ideología y como tales proyectan las ideas a su interés siendo un mero espacio más simulado. En definitiva, el arte viene dado sin arte, la cultura sin cultura, lo real sin lo real.■ Sigue leyendo...

Espectacular demostración de la danza tradicional china mezclada con elementos modernos. Realmente indescriptible. Sigue leyendo...

Corto por Blu una animación ambigua pintada sobre paredes públicas. Hecho en Buenos Aires y en Baden Sigue leyendo...

Poesia por Miguel Longarini Desde Buenos Aires, Argentina. Fopto: Cristina por Sabat en Clarin Sigue leyendo...

Poesia de autor anónimo Sigue leyendo...

Una figura solitaria, pensativa, sentada en un puente de piedra. Un cuadro sin nada en especial salvo por un detalle: fue pintado por Adolf Hitler cuando el dictador alemán era joven y aún tenía esperanzas de dedicarse al arte. Esa acuarela, que se cree es el primer autorretrato que Hitler pintó, en 1910, cuando tenía 21 años, se subastará junto a otras doce acuarelas, encontradas de casualidad en un garaje de Inglaterra. Los cuadros, la mayoría paisajes, forman parte de una colección de documentos históricos que será subastada el próximo 23 de abril en el hipódromo de Ludlow Racecourse, en Shropshire (oeste de Inglaterra). En la casa de subastas Mullocks’s, esperan obtener miles de libras esterlinas por esos cuadros que Hitler hizo durante su juventud y vendía por monedas en los cafés de Austria, donde vivía en esa época como artista aunque sin mucho éxito. “El vendedor (de las acuarelas), un gran coleccionista de la Segunda Guerra Mundial, compró las pinturas al hombre que lo liberó en el año 1945″, un soldado inglés que luchó contra los nazis, explicó el especialista de Mullock’s, Richard Westwood-Brookes. Al parecer, ese coleccionista, del que no se facilitaron más detalles, vendió algunas de las obras y olvidó el resto hasta hace sólo poco más de un mes, cuando las halló casualmente en su garaje. En opinión de Westwood-Brookes, es complicado encontrar una relación entre las acuarelas pintadas por Hitler y sus actos como líder nazi. “Si se espera que sus pinturas reflejen imágenes agresivas, temas militares, batallas y gente siendo asesinada, no hay nada en su producción que sugiera eso”, dijo el experto. Sigue leyendo...

Recuerda la historia esos siglos de oscuridad donde las luces solamente brillaban en esos escritorios consagrados y en las alturas nobles y aristocráticas, cuando aún no había ni ciudadanos, ni burgueses, ni proletarios, aunque sí señores y esclavos. Luego la historia dio un vuelco con días ilustrados repletos de resplandores y vítores franceses de una revolución gloriosa. Demasiado estrecha, aunque suficiente para dejar su marchamo, es o era esa línea que separa el oscurantismo de las luces y alrevés. Tan estrecha que el oscurantismo no desapareció, aún podía fluir por pequeñas fisuras e imperfecciones de esa línea; la Ilustración no consiguió derrumbar a la ignorancia (siempre tan sólida y fácil), pero sí quedó en relieve y al descubierto por los fanales intelectuales de pragmatismo, utopía y progreso. En la actualidad la educación llega a todos los seres del primer mundo, pero es una educación insulsa y sin profundidad que no se rige por el enriquecimiento cultural y una enseñanza moral que eduque en valores cívicos. Se supone que el mundo debería ser mejor, y sé que sabemos más que nuestros abuelos y padres (que aprendieron de las escuela de la vida o de la guerra), que tuvieron muchas dificultades a la hora de estudiar, incluso no estudiaron, pero ahora sólo veo a los niños y adolescentes y universitarios aprendiendo forzados sin tener un deseo firme de conocer y de culturizarse: el sedentarismo está privando a nuestros cerebros de la capacidad de pensar, el mundo se está convirtiendo en cajas tontas y vacías que solamente piensan en ver el fútbol, recrearse en pornografía y conseguir la mayor puntuación en un videojuego. Así mismo, todo se está convirtiendo en un mundo sin respeto a lo ajeno, tan ahogado en el fanatismo, la incomprensión y la barbarie. En este segundo oscurantismo no se leen los libros, pero se utilizan para adornar; los contenidos -la letra- carecen de interés, no son prácticas y si superfluas y baladíes; pero sus cubiertas y estampados son bellos, atractivos y refulgentes, se ven maravillosas en las estanterías de nuestras casas. Al final la cultura recibe y da muchos premios y supone cierto prestigio, pero ha fracasado porque no ha vencido a la vulgaridad y a la ignorancia, ni a ese falso sentimiento de felicidad en lo material; mientras, ahora mismo, muchos se ríen de la cultura: NO SIRVE PARA NADA; y ese es el gran fracaso de las luces y la frustración de muchos intelectuales. Nuestra cultura vive sumergida en los esquemas establecidos gobernantes, sin revelarse, sin atrevimiento (al menos sin ese atrevimiento no barato, el inteligente), siempre dormida y congraciada con la comercialidad y los valores consumistas. Pero ahí sigue el mundo con su incultura barnizada de ilustración, semejante a las instrucciones de una caja de preservativos, imbuyendo televisión y videojuego, que es de donde salen las únicas luces que brillan, además de las hermosas piernas y torsos musculosos de los anuncios de perfumes y desodorantes. Sin embargo, hay excepciones, luchadores de las luces, y tal vez se pongan en guerra contra el oscurantismo eterno. ■ Sigue leyendo...

La Estorick Collection londinense, galería especializada en las vanguardias italianas del siglo XX, presenta hasta el próximo 19 de abril una exposición dedicada al famoso futurista Umberto Boccioni (1882-1916). La muestra, integrada por veinte obras dinámicas tanto de la propia colección permanente como de otros museos de Italia, Francia y Gran Bretaña, lleva el título de Formas Únicas: Dibujos y Esculturas de Umberto Boccioni. Firmante en 1910 del Manifiesto de los Pintores Futuristas, Boccioni fue tal vez el más destacado de los cinco artistas asociados a ese documento: los otros son Carlo Carrá, Giacomo Balla, Gino Severini y Luigi Russolo. Nacido en el sur de Italia, Boccioni se estableció en Roma, donde probó distintos lenguajes pictóricos como el divisionismo, el simbolismo y el expresionismo antes de viajar a Milán y asociarse al movimiento futurista fundado por Filippo Tommaso Marinetti en 1909. Boccioni iba a convertirse en el principal teórico de una estética futurista, que expuso con energía y rigor en el opúsculo Pintura y Escultura Futuristas, publicado en 1914, dos años antes de morir durante unas maniobras militares. La Primera Guerra Mundial privó así al movimiento moderno de uno de sus artistas de más talento y más prometedores. Al igual que todos los futuristas, Boccioni sintió fascinación por la velocidad y el movimiento aunque logró evitar la influencia de fotógrafos experimentales como Etienne-Jules Marey, que llevó a otros artistas a crear imágenes de objetos repetidas de forma que sugirieran el paso de una figura por distintos puntos del tiempo y del espacio. Movimiento analizado de modo fragmentario Inspirado por la filosofía del francés Henri Bergson, según el cual el movimiento podía analizarse pero no experimentarse de modo tan fragmentario, Boccioni se fijó como objetivo capturar el flujo indivisible de la vida, algo a lo que se acercó mucho con la que se considera su obra maestra, la escultura en bronce Formas Únicas de Continuidad en el Espacio (1973), que se conserva en la Tate. Aunque el futurismo sigue estrechamente asociado en la imaginación popular con el énfasis en la belleza y el poder de la máquina, así como con la fascinación por el dinamismo del entorno urbano, es en sus obras divisionistas donde Boccioni reflejó la febril actividad de los barrios milaneses en los que vivió. Sus exploraciones más maduras del futurismo se centran en cambio en una iconografía más tradicional como el cuerpo humano, caballos a galope y, aunque parezca un tanto paradójico, las naturalezas muertas o bodegones, temas que se reflejan en varias obras de la exposición de la Estorick. En algunas obras sobre papel, procedentes de las Civiche Raccolte d'Arte Moderna, de Milán, Boccioni logró capturar el dinamismo explosivo de la energía muscular en piezas densamente trabajadas cuyo carácter volumétrico recuerda el vocabulario del cubismo aunque sus objetivos fueran distintos de los de Picasso, Braque o Juan Gris. Desgraciadamente se conservan sólo muy pocas de las esculturas de Boccioni ya que en su mayoría se destruyeron después de la muerte del artista. Una de las más tempranas, la titulada Abstractos Vacíos y Llenos de una Cabeza, un retrato de la madre del artista en el que éste exploró el doble espacio positivo y negativo, fue objeto de varios estudios preparatorios, dos de los cuales se han incluido en la exposición. Trabajos sobre papel, murales y esculturas de Luca Buvoli Junto a la muestra de Boccioni, la Estorick presenta una obra multimedia, trabajos sobre papel, murales y esculturas, de su compatriota Luca Buvoli, nacido en 1963, que explora los temas característicos del futurismo: el dinamismo, el conflicto y una sociedad en trance de evolución. Pieza central de esa exposición es una animación en vídeo titulada Extractos de Velocidad Cero en la que personas con dificultades de locución leen en voz alta fragmentos del Manifiesto Futurista, con lo que la celebración original de la agresión y la velocidad del texto futurista queda neutralizado por los trastornos locucionales y las imágenes animadas a mano del vídeo. Sigue leyendo...